Werke 41-60
41
Bartolomé Esteban Murillo – Jungen spielen mit Würfeln:
Dieses Gemälde zeigt zwei Jungen, die auf der Straße mit Würfeln spielen, umgeben von alltäglichen Gegenständen. Murillo fängt die Lebendigkeit der Straßenszene und die kindliche Freude in seiner typischen warmen Farbpalette ein.
42
Antoine Watteau – Die italienische Komödie:
Watteau stellt in diesem Werk eine Gruppe von Komödianten in einer theatralischen Szene dar, die Elemente der italienischen Commedia dell’Arte aufgreifen. Die Figuren wirken lebendig und verspielt, typisch für Watteaus eleganten Rokoko-Stil.
43
Canaletto – Markusplatz:
Das Gemälde zeigt den Markusplatz in Venedig mit detaillierter Architektur und einer belebten Szene von Menschen. Canaletto ist bekannt für seine präzisen Veduten, die die Atmosphäre Venedigs mit großer Klarheit und Genauigkeit einfangen.
44
Francois Boucher – Venus in der Schmiede des Vulkan:
Boucher zeigt Venus in der Schmiede von Vulkan, umgeben von Liebesgöttern und mythologischen Figuren. Die Szene ist voller Bewegung und dekorativer Details, charakteristisch für Bouchers verspielten Rokoko-Stil.
45
Jean-Siméon Chardin – Seifenblasen:
Dieses Gemälde zeigt einen Jungen, der fasziniert eine Seifenblase beobachtet. Chardin fängt die Flüchtigkeit des Moments ein und symbolisiert die Vergänglichkeit des Lebens durch das Motiv der zerbrechlichen Blase.
46
William Hogarth – Gin Lane:
Dieser Kupferstich ist eine satirische Darstellung der zerstörerischen Auswirkungen des Gin-Konsums im 18. Jahrhundert in England. Hogarths Detailreichtum und dramatische Komposition betonen das Chaos und die sozialen Probleme der damaligen Zeit.
47
Pietro Longhi – Portrait einer venezianischen Familie:
Longhi porträtiert eine venezianische Familie in einem intimen häuslichen Umfeld. Die Darstellung gibt Einblick in das Alltagsleben des venezianischen Bürgertums im 18. Jahrhundert.
48
Jean-Baptiste Oudry – Der weiße Schwan:
Dieses Werk zeigt einen majestätischen weißen Schwan in einer natürlichen Umgebung. Oudry ist bekannt für seine lebensechten Darstellungen von Tieren, und der Schwan strahlt Eleganz und Anmut aus.
49
Giovanni Battista Tiepolo – The Chariot of Aurora:
Das Gemälde zeigt die römische Göttin der Morgenröte, Aurora, in einem himmlischen Wagen, umgeben von geflügelten Putten. Die Szene strahlt Leichtigkeit und Anmut aus und ist typisch für Tiepolos luftige Farbpalette und dynamische Komposition.
50
Jean-Honoré Fragonard – Der gekrönte Liebhaber:
Fragonard zeigt einen Liebhaber, der von Putten gekrönt wird, in einer romantischen und heiteren Szene. Die leuchtenden Farben und der feine Pinselstrich sind charakteristisch für den Rokoko-Stil.
51
Francesco Guardi – Capriccio mit einer Ruine:
Das Bild zeigt eine imaginäre Landschaft mit einer Ruine, die durch feine Details und stimmungsvolles Licht belebt wird. Guardi verleiht der Szene durch seine lockere Pinselführung eine melancholische und poetische Atmosphäre.
52
Johann Heinrich Wilhelm Tischbein – Goethe am Fenster:
Tischbein stellt den jungen Goethe an einem Fenster dar, tief in Gedanken versunken. Diese Zeichnung zeigt Goethe in einer introspektiven Haltung, die seine Rolle als Dichter und Denker betont.
53
Jacques Louis David – Der Tod des Marat:
David zeigt Marat, einen Anführer der Französischen Revolution, in seiner Badewanne liegend, nachdem er ermordet wurde. Das Gemälde ist eine heroische Darstellung des Märtyrertodes und verbindet politische Botschaft mit dramatischer Komposition.
54
Johann Heinrich Füssli – Der Nachtmahr:
Füssli stellt einen Alptraum dar, in dem ein Dämon auf der Brust einer schlafenden Frau sitzt. Die düstere Atmosphäre und der surrealistische Charakter des Gemäldes symbolisieren die Ängste und psychologischen Abgründe des Menschen.
55
William Blake – Satan beobachtet Adam und Eva:
Blake zeigt Satan, der Adam und Eva im Paradies beobachtet, in einer poetischen und detaillierten Komposition. Die Illustration stammt aus seiner Serie zu Miltons "Paradise Lost" und kombiniert mythologische Symbolik mit Blakes einzigartigem Stil.
56
John Martin – Joshua befiehlt der Sonne stillzustehen:
Martin stellt die biblische Szene dar, in der Joshua die Sonne anhält, um eine Schlacht zu gewinnen. Die dramatische Landschaft und das übernatürliche Licht unterstreichen die Erhabenheit der Szene.
57
Caspar David Friedrich – Wanderer über dem Nebelmeer:
Friedrich zeigt eine Figur, die auf einem Felsen steht und in eine neblige Landschaft blickt. Das Bild symbolisiert die Einsamkeit des Individuums und die Erhabenheit der Natur, typisch für die Romantik.
58
Francisco Goya y Lucientes (Nachfolge) – Der Koloss:
Dieses Gemälde zeigt eine riesige, mysteriöse Figur, die in einer alptraumhaften Landschaft erscheint und Bedrohung symbolisiert. Die Darstellung des Kolosses verdeutlicht die Verwirrung und Angst der Bevölkerung und kann als Allegorie für Krieg oder Gewalt interpretiert werden.
59
Louis Leopold Boilly – 35 Charakterköpfe:
Boilly stellt eine Vielzahl von Köpfen in unterschiedlichen Ausdrücken und Altersstufen dar. Die Komposition spiegelt Boillys Talent für die Darstellung von Emotionen wider und zeigt seinen feinen Humor und die Vielfalt menschlicher Charaktere.
60
Thomas Cole – Die Vertreibung aus dem Paradies:
Cole malt Adam und Eva, die von einem Engel aus dem Garten Eden vertrieben werden, während sie eine dramatische, wilde Landschaft betreten. Das Gemälde zeigt einen starken Kontrast zwischen dem paradiesischen Eden und der kargen, gefährlichen Welt außerhalb, was die Härte des Verlustes verdeutlicht.